La couleur est fondamentale dans la construction de mes projets, elle est au cœur des enjeux développés, elle peut en être le sujet ou la surface. Je peux la développer par la peinture mais aussi par l accumulation ou l’assemblage d’objets et de matière.
Les matériaux que j’utilise généralement n’ont pas la « noblesse » de l’objet de luxe mais la liberté de l’objet d’art. Chez moi la matière est pauvre, manufacturée, usinée, commerciale même vulgaire mais elle offre de nombreuses alternatives aux formes connues, elle crée du déplacement et ne sait pas toujours où se situer. Objets d’art, hobby du dimanche ou décoration, cette matière tangente crée de la tension.
Les histoires vernaculaires enrichissent ce développement de la couleur et de la matière et parlent ainsi des histoires sociales et d’un amour certain pour l’esthétique discount. Je développe des formes qui valorisent une forme de kitsch trouvées dans des éléments de décoration que l’on peut considérer «de mauvais goût».
Qu’elles soient documentaires ou décoratives les formes qu’empruntent mes réflexions sont traversées par les notions de domestisité, de jugement et de vernaculaire.
Mes dernières installations fonctionnent à la façon d’un display, les différents éléments peuvent être disposés et choisis de façon différentes selon les espaces d’accrochage.
Ces displays sont élaborés de façon à jouer avec la surenchère décorative afin de créer des ensembles dans lesquels les contraires seraient harmonieusement possibles.
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Revue Le point contemporains n°9
«En composant des parcelles d’environnement domestique, Eva Galtier engage des narrations à travers l’histoire des motifs, de leur passage des intérieurs bourgeois à des boutiques de grossistes, de cette manifestation de l’opulence et d’une certaine forme d’aisance sociale. L’artiste soulève la question de ces interstices de liberté qu’il nous reste à trouver dans un monde où les jalons esthétiques établis sont souvent exacerbés et étouffants. Elle pose aussi la question du pouvoir de l’expression plastique à une époque où les nouvelles technologies sont désormais capables de générer industriellement des kilomètres de tissu à la minute ou de produire à la chaîne des objets de décoration, et de la place de l’individualité sensible qui cherche à donner de la couleur, du lien à une histoire personnelle et familiale qui nous définit en dépit de toute chose.»
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Au Cottage Orné...
L’économie du cottage à l’heure d’internet, par Jocelyn Moisson
« Ici les mots ne changent pas de forme mais de sens... de fonction... Vous voyez ils n’ont plus de sens à eux, ils renvoient à d’autres mots qu’on ne connait pas, qu’on n’a jamais lus ni entendus. »
Marguerite Duras (La pluie d’été)
Le 2 mars 1969, poursuivant son travail d’exploration de la marge par la perturbation d’un langage donné, Michel Journiac effectuait chez Daniel Templon sa grande lessive de l’art et des concepts établis, qui, selon les mots du critique François Pluchart, devait « remettre en question les idées, les techniques et les mots ». Durant quatre jours, Michel Journiac s’attachera à répondre à quatre grands principes qu’il énoncera comme « le mode d’emploi » de l’action à suivre : «1. Séparer en deux tas bien distincts les oeuvres à traiter : d’une part le linge inutilisable (romanesque, esthétique, pictural, épique, narratif, picassisme, expressionnisme, cinétisme, etc.) qu’on mettra à la poubelle en vue de sa destruction = récupération en un nouveau matériau de synthèse, et, de l’autre, le linge apte à faire encore un bon usage (dadaïsme, suprématisme, immatériel, poétique, fonctionnel, etc.) qu’on mettra pièce par pièce dans une machine. 2. Introduire une ou plusieurs doses de détergent en fonction de l’ancienneté des taches et de la vulgarisation de l’idée. 3. Régler le programme de lavage selon les instructions du constructeur, mais, en général, réduire le temps de lavage en fonction de la force originelle de l’idée. 4. Sécher soigneusement afin d’éliminer tout romantisme qui pourrait laisser croire à une possible utilisation du passé pour établir le présent. » En « lessivant » l’Histoire, Michel Journiac devait tout à la fois tenter de conclure la grande histoire des ruptures, tout en définissant ce qui représenterait le « goût » de la seconde moitié du vingtième siècle.
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À partir de cette attitude de rejet, où se sont notamment entassées les notions de romanesque, d’esthétique et de pictural, Au Cottage Orné... - entité regroupant les artistes Florent Dubois, Eva Galtier et Bénédicte Thoraval -, en fait la matière première de son langage plastique. Explorant tour à tour les disciplines que représentent le dessin, la peinture, la sérigraphie ou la céramique, l’exposition présentée du 2 au 23 septembre 2018 à Chantier Public (Poitiers), superpose tout autant les pratiques que les références boudées par cette fin de siècle; l’exemple de la céramique étant plus particulièrement significatif de cette croisade menée contre les médiums relevant plus particulièrement des arts décoratifs. Pour Florent Dubois, le récent regain d’intérêt autour de cette pratique s’explique en partie par l’unité de temps et de lieu avec lesquelles nous partageons désormais l’information : « (au sujet de la céramique) Il faut se concentrer sur le long terme et sur tout un tas d’étapes, ce qui entre en conflit avec notre époque basée sur Instagram, Pinterest et les réseaux sociaux. Mais en même temps, ces outils servent la céramique. Les nouveaux amateurs sont connectés, ils s’échangent des recettes d’émaux, des techniques et se cotisent pour fabriquer des fours extérieurs collectifs. »1 Si l’outil internet permet de se faire le relais de médiums un temps rejetés par l’enseignement en École d’art, il permet également un regard sur des productions extérieures à la tradition occidentale de l’Histoire de l’art et à son enseignement.
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Laissant apparaitre à la fois des emprunts aux arts décoratifs et à la littérature jeunesse (de l’encyclopédie générale aux illustrations de Marcel Marlier ; des Sylvanian Families au manga), Au Cottage Orné..., qui est né à la fin des années quatre-vingt, est tout autant « bébé zappeur 2 » qu’enfant de la politique de décentralisation et de développement de l’art dans les régions. Car si le manga se forme à partir de la marge, suivant l’exemple de l’art contemporain (selon des liens qui demanderaient à eux seuls d’être étudiés), il reçoit « dans une société qui voit reculer les frontières de ce qui est considéré comme supportable3», les mêmes incompréhensions que celles retenues pour l’art contemporain. Bien que la politique promue par le parti socialiste durant ses deux mandats consécutifs (1981 1988 ; 1988 1995) tende à favoriser une certaine ouverture notamment en encourageant à la fois le développement des centres d’art et la création des différents Frac -, elle incarne encore, à la différence de la droite libérale, l’idée d’une certaine production à la française. Pour le manga, si les adaptations et traductions en langue japonaise d’oeuvres littéraires ou empruntées à l’Histoire de France sont nombreuses on pense notamment à La Rose de Versailles4 (adaptation romanesque et romantique de la Révolution Française et plus particulièrement de l’intimité de Marie-Antoinette) comme l’un des rares exemples à avoir échappé à la censure du service public au milieu des années 80 -, les traductions d’oeuvres japonaises et plus majoritairement orientales, sont encore peu considérées et rarement étudiées. Même si l’immédiateté que représente l’outil internet permet de rendre accessible et perceptible le travail des différentes coordonnées géographiques et politiques, la question de la langue (qui reste étroitement liée à celle tout aussi suggestive de la traduction), doit encore à travers cette ouverture fantasmée sur la globalisation, être interrogée. En créant une circulation générant une vision périphérique de nos sociétés, internet (à l’instar des encyclopédies, qui visaient déjà à traduire une vision universelle des connaissances) permet tout autant de rendre accessible une production élargie aux cinq continents, que des récits parallèles à l’Histoire de l’art occidentale.
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Par son immédiateté, internet incarne un système analogue à celui du cottage, à l’image du Hameau de la Reine (1781) situé dans les jardins du château de Versailles où : « L’architecte avait tout posé à même le sol. Sans fondation. Les « maisonnettes» reposaient donc sur un ancien marécage qui n’avait jamais été correctement asséché. Résultat : 90% d’humidité dans chaque pièce! Les murs suintent. Les meubles moisissent. Les tapisseries s’effilochent. À l’époque, la reine et ses amis s’en moquaient. Conçu pour les plaisirs du jour, surtout pas pour durer. » 5 Dans ce cottage ou Marie Antoinette placera les plus belles vaches suisses sans volonté de rendement, elle définira également à partir des différents champs qu’elle recouvre, la pertinence esthétique de la culture de l’immédiateté : figurative, discursive et symbolique. C’est aussi ce que Jane Austen traduira dans Northanger Abbey (1817) parodie de roman gothique -, où son héroïne Catherine Morland, ne cessera de voir dans une abbaye, ses portes dérobées, ses secrets et ses fantômes à partir d’un procédé narratif propre au roman gothique : le récit dans le récit.
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En créant une oeuvre immédiate, inauthentique, surchargée et dialoguant avec plusieurs matières et différentes fonctions (quitte à tutoyer le mauvais goût et la médiocrité), Marie Antoinette comme les héroïnes de roman gothique, traduiront ce que nous définissons de façon contemporaine comme la culture du kitch. Si le Kitch se traduit d’abord par son caractère d’immédiateté, c’est parce qu’il « fonctionne comme une aseptisation de la vie sociale. La surcharge signifiante doit réaliser l’arbre aux souhaits : un univers qui n’est plus l’envers du nôtre, car il n’a pas d’envers. Un univers où l’impolitique même perd tout sens, si on entend par là l’au-delà de la politique et des rapports de pouvoir à l’intérieur même de la politique et des rapports de pouvoir.»6 C’est plus particulièrement significatif pour ces trois artistes soumis aux mêmes enseignements, aux mêmes politiques et aux mêmes programmes télévisés ; comme avec Eva pour qui les éléments de décoration intérieure et domestique font partie prenante de l’exposition, Bénédicte avec qui l’ornement s’autonomise, et Florent pour qui le kitch correspond davantage à un idéal dépolitisé, vécu comme un plaisir régressif. Interrogeant l’Histoire, ses archétypes, ses traditions et ses hiérarchies à l’intérieur d’un dialogue égalitaire entre ses références, ses pratiques et les différents champs qu’elles recouvrent, l’exposition en traversant les contradictions liées à la culture de l’immédiateté agit doublement pour sa qualité de document humain que pour sa valeur politique ; dessinant les contours d’une oeuvre plurielle, avec pour figure centrale une véritable chimère de camaraderie.
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